Jesús Casás Otero: Belleza y vida de fe. Por Camino Lescún

Casás Otero, Jesús: Belleza y vida de fe. San Pablo, Madrid, 2009. 368 páginas. Comentario realizado por Camino Lescún.

Belleza y vida de fe están interrelacionadas; «la belleza, como revelación bíblica de la gloria de Dios en el mundo, y la fe, como correspondencia del hombre ante el esplendor del misterio que se manifiesta». Esto es lo que defendió Jesús Casás Otero en su tesis doctoral, presentada en 1998 en el Instituto de Teología Fundamental de la Facultad de Teología de Cataluña. En este libro, publicado con motivo de sus bodas de oro de ordenación sacerdotal, la retoma y añade nuevos elementos. 

La belleza y la estética han estado presentes en la vida cristiana y en la reflexión teológica desde los comienzos. Sin embargo, a lo largo de la historia, dicha categoría fue abandonada, centrándose la reflexión más sobre la verdad y el bien. Hans Urs von Balthasar la rescató y la puso como base de su sistema teológico, conectando de nuevo revelación y belleza, pero sin encontrar mucho eco en la teología posterior. En este libro nos encontramos con un intento de no dejarlo caer en el olvido.

Podríamos dividir el libro en dos partes: una primera, centrada en la relación entre teología y estética, y una segunda, enfocada hacia la relación entre arte y fe. En la

Bert Daelemans: Encuentros en el camino. Por Eduard López

Daelemans, Bert: Encuentros en el camino. Una propuesta de discernimiento espiritual. PPC, Madrid, 2015. 301 páginas. Comentario realizado por Eduard López.

La riqueza y el límite se alían ante la singularidad de esta obra. Así es el calificativo acuñado por el teólogo P. Rodríguez Panizo, quien la prologa. El avispado lector, sagazmente, se dirige hacia el significado de “singular” y observa en su segunda acepción: “Extraordinario, raro o excelente” (DRAE, 2016). Realmente, la obra del teólogo B. Daelemans, jesuita y arquitecto, se suma a una tradición francesa y alemana, tan careciente en los lares más meridionales de Europa. Ya S. Germain elaboró una obra sublime (Bayard, 2011) que tiene su centro en el camino de la cruz mediante la imagen y la palabra recordando la poética teológica de F. Cassingena-Trévedy (Ad Solem, 2011). Por su parte, la artista Hetty Krist realizó el mismo recorrido pasional de Cristo para la iglesia de los capuchinos en Frankfurt am Main. En efecto, B. Daelemans escoge la serie de esculturas de bronce que reflejan el vía crucis, elaboradas por el alemán Werner Klenk para el monasterio de Maria Königin (Altenhundem, Alemania). Ellas son el objeto de encuentro y de camino espiritual bajo la guía, el texto y el proceso de los Ejercicios ignacianos. He aquí donde radica su riqueza. Sumándose no sólo a la tradición de Jerónimo Nadal en sus Evangelicae Historiae Imagines (1593), sino a lo apuntado por el Breve Directorio (1580), donde se invita al

Alicia Pérez Tripiana y Mª Ángeles Sobrino López: Jesús en el Museo del Prado. Por Mª Ángeles Góme-Limón

Pérez Tripiana, Alicia – Sobrino López, Mª Ángeles: Jesús en el Museo del Prado. PPC, Madrid, 2009. 208 páginas. Comentario realizado por Mª Ángeles Gómez-Limón.

«Treinta obras maestras del Museo del Prado cuyo tema es Jesús de Nazaret. Treinta obras pertenecientes a grandes artistas como Fra Angélico, Roger van der Weyden, Tiziano o Velázquez, así como diferentes estilos y escuelas pictóricas: Renacimiento italiano, escuela de los primitivos flamencos, escuela veneciana del siglo XVI, Barroco español, etc. Treinta aproximaciones a esas obras que proporcionarán un conocimiento completo de sus aspectos visual y conceptual. Treinta ocasiones para contemplar y disfrutar». Efectivamente, esta afirmación-síntesis de la Presentación (p. 5) que las autoras hacen de Jesús en el museo del Prado es lo que encontramos en es tas páginas. 

El volumen, de exquisita presentación, como corresponde a una obra de estas características y finalidad, consta de una Presentación, el estudio de las citadas treinta obras maestras y un Glosario de los principales tecnicismos artísticos utilizados y de otros términos relacionados con el tipo de análisis e interpretación elegidos (Getsemaní, Apócrifos, etc.). 

Por razones de brevedad, no indicamos cada una de las obras analizadas. La selección que hacen las autoras se extiende desde los primitivos flamencos

Alicia Pérez Tripiana y Mª Ángeles Sobrino: Jesús en el Museo del Prado. Por Mª Jesús Fernández Cordero

Pérez Tripiana, Alicia y Sobrino López, Mª Ángeles: Jesús en el Museo del Prado. PPC, Madrid, 2009. 208 páginas. Comentario realizado por Mª Jesús Fernández Cordero.

En los últimos años, el estudio del arte de temática religiosa se ha visto enriquecido con aportaciones que nos ayudan a desvelar el sentido propiamente «religioso» y, en concreto, «cristiano» de una gran parte de la producción artística de nuestra historia. Baste recordar los nombres de Juan Plazaola (Historia y sentido del arte cristiano) o Timothy Verdon (Cristo nell’arte europea; Maria nell’arte europea). La obra que nos ocupa, de carácter divulgativo, pretende apoyar el conocimiento de este arte a través del método sencillo de «mirar un cuadro». Nos hemos referido en otras ocasiones desde estas páginas a la pérdida de claves interpretativas y de comprensión que afecta a muchas personas a la hora de contemplar, valorar y gozar las obras de arte producto del cristianismo. Se hace necesario educar la mirada, y a ello contribuye este libro, magníficamente editado, como se requiere para este tipo de trabajos. Las autoras –profesoras del Gabinete didáctico de la Fundación «Amigos del Museo del Prado»– lo presentan así: «El objetivo fundamental de este libro es acercar a estudiantes, historiadores y amantes del arte la obra pictórica como un todo unitario, en el que técnica, forma y contenido crean lo que denominamos “obras de arte”» (p. 3). Ésta es la perspectiva de análisis con que se aborda el estudio de treinta obras de arte de diferentes épocas, estilos y

Timothy Verdon: María en el arte europeo. Por Mª Jesús Fernández Cordero

Verdon, Timothy: María en el arte europeo. Electa, Barcelona, 2005. 228 páginas. Comentario realizado por Mª Jesús Fernández Cordero.

No es frecuente encontrar libros de historia del arte en los que el arte cristiano esté tratado desde el interior de la fe, considerando ésta como la clave fundamental para desentrañar su sentido. Es cierto que las perspectivas actuales tienen cada vez más en cuenta los aspectos relativos al contexto cultural, sociológico, político, ideológico, etc. de la obra de arte y, en esta línea, también el contexto religioso. Pero suele tratarse este último aspecto como una dimensión histórica o cultural que permite la interpretación de la obra (por ejemplo, descifrar su simbología), o atendiendo a la personalidad del propio artista (en qué medida sus obras son fruto de un impulso o experiencia religiosa o vienen condicionadas por las ideas imperantes y la relación con sus mecenas o comitentes). Estos acercamientos son sumamente valiosos y enriquecedores para cualquier interesado por el arte y por la historia, pero no alcanzan a conectar la obra de arte con el mundo interior de la fe; pues es propio del arte cristiano un cierto sentido «sacramental», por el cual éste se convierte en vehículo de una experiencia religiosa. Por eso es posible que con algún bagaje cultural se puedan entender las obras de arte producidas a lo largo de siglos por el cristianismo (lo que, por cierto, queda ya fuera del alcance de muchos); pero

Eduard López Hortelano: Acompañados por imágenes. Por Bert Daelemans

LÓPEZ HORTELANO, Eduard: Acompañados por imágenes. Un itinerario verbal e icónico según los Ejercicios de san Ignacio. Sial-Pigmalión, Madrid, 2018. Comentario realizado por Bert Daelemans.

Este es un libro de ejercicios espirituales. Como bien sugiere la imagen del corredor en la portada, el autor nos invita a un itinerario para movernos y desplazarnos. Nos quiere llevar “ahí donde uno revisa lo ordinario de la vida para destilar lo extraordinario” (109), confiando en que “el Espíritu es el primer catequista, siempre desde dentro hacia fuera” (59). Nos introduce sagazmente en un grandioso “viaje imaginativo” que nunca nos atreveríamos a emprender si no fuera por la mano de un guía anclado en una verdad que “se come” (según C. Bobin, citado en 74 n. 9), inflamado por la imaginación y macerado por el deseo –o la sed, a la cual se dedican unas hermosísimas páginas (55 y 86-88)–.

Quien logra “entender la vida como ejercicio” (115) “lleva consigo el «nosotros», signo de alteridad, de descentramiento” (111). De la íntima unión entre ejercicios espirituales y corporales, mens sana in corpore sano, un vínculo al que ya había aludido san Ignacio de Loyola [Ej 1], también dan muestra los hermosos prólogo y epílogo del libro. El primero, de la mano del capuchino Víctor Herrero de Miguel, nace

Daniel Cuesta: Passionis imago. Por Manuel García Bonasa

Cuesta, Daniel: Passionis Imago. Contribución de la Compañía de Jesús a la configuración de la imaginería procesional vallisoletana. UPSA, Salamanca, 2016. 187 páginas. Comentario realizado por Manuel García Bonasa.

La espiritualidad, en general y la espiritualidad ignaciana en concreto tienen como horizonte la vida, una vida vivida a la luz y bajo el soplo del Espíritu. Por eso, está llamada a trascender límites, fronteras y acotamientos impuestos, con la mejor de las voluntades por el ser humano. A la vez que iluminar y acompañar todos los recovecos y laberintos que constituyen toda existencia humana. 

El libro que recensionamos es un buen ejemplo de ello. Su autor, un joven jesuita: Dani Cuesta, licenciado en Historia del Arte y en Humanidades, apasionado como pocos de la Semana Santa y de la imaginería propia de ésta, especialmente de Valladolid y Segovia. Su trabajo es un excelente ejemplo de cómo la experiencia de Dios traducida en imagenería procesional desde las claves ignacianas irrumpe con fuerza en las calles y plazas de la ciudad de Valladolid, cambiándole el semblante, imponiéndole un ritmo, un paso diferente, acercando al Hijo de Dios a los gozos y alegrías, a las sombras y luces de la vida de todos aquellos que contemplan su paso desde cualquier esquina, plaza o balcón. 

Partiendo de lo mejor de la tradición catequética y espiritual jesuítica, a través

Bert Daelemans: La vulnerabilidad en el arte. Por Ianire Angulo Ordorika

Daelemans, Bert: La vulnerabilidad en el arte. Un recorrido espiritual. PPC, Madrid, 2021. 151 páginas. Comentario realizado por Ianire Angulo Ordorika. 

Bert Daelemans nos tiene acostumbrados a libros que requieren ser leídos a sorbos, porque tienen un fuerte elemento de contemplación y de implicación personal. Es lo que sucede con esta obra, que nos acerca a la vulnerabilidad de puntillas, con la reverencia y el respeto que merece, y lo hace a través de variadas expresiones artísticas en las que el autor descubre cómo se difumina la diferencia entre lo sagrado y lo profano. Desde el prólogo del libro, Daelemans deja clara la diferencia que descubre entre fragilidad y vulnerabilidad. Si bien todo ser humano es esencialmente frágil, él entiende la vulnerabilidad como un modo concreto de vivir esa fragilidad, eligiéndola y orientándola hacia otra persona. Lo que puede parecer debilidad, se convierte así en posibilidad de encuentro, de vínculos y de relación. 

De este modo, la debilidad no es motivo de pesimismo, pues nos abre a la esperanza y nos invita a tejer vínculos con otros y con Otro. De hecho, esta es la dinámica asumida por el Dios cristiano al encarnarse y hacer suya la condición humana, con toda la fragilidad que eso implica. Desde esta perspectiva, Daelemans nos adentra en cuadros, esculturas, danzas y las más variadas expresiones artísticas que, reflejando con belleza lo frágil, nos abren a la

Javier Montes: El misterioso caso del asesinato del arte moderno. Por Bert Daelemans

Montes, Javier: El misterioso caso del asesinato del arte moderno. Wunderkammer, Madrid, 2020. 122 páginas. Comentario realizado por Bert Daelemans.

Para muchos que se resisten a ver en ello solo una tomadura de pelo, el arte contemporáneo suscita interrogantes interminables. Este breve y enigmático ensayo literario, escrito con erudición en un estilo sumamente libre, brillante y divagante, salpicado de humor e ironía por un joven autor polifacético (crítico de arte, novelista, ensayista, comisario de exposiciones…) a modo de “crónica de una muerte anunciada”, ofrece una excelente y estudiada introducción al porqué del arte contemporáneo, con su anti-arte readymade y sus anti-artistas, cuando se forjó hace cien años, sin que nadie se diera cuenta, en el taller neoyorquino del artista francés Marcel Duchamp, gracias a la paciente colaboración de la cámara fotográfica de Man Ray. Acabamos de señalar los principales sospechosos de aquel “asesinato”, que a su vez es un nacimiento y, sobre todo, una emancipación. 

El spoiler del título revela la víctima: el arte moderno, o el arte en sí mismo. El gran valor del pequeño libro es doble: nos invita a pensar de modo más amplio, a reflexionar sobre los conceptos clásicos que definen el arte, y nos introduce en una época de posibles. Aunque no cabe duda ni de la originalidad de esta pesquisa ni del aplomo con el cual arranca, esta investigación policiaca podría dejar a más de un lector un poco perdido al final, algo parecido a lo que ocurre con

Christian Bobin y Cristina Almodóvar: El encanto sencillo. Por Bert Daelemans

Bobien, Christian y Almodóvar, Cristina: El encanto sencillo. La Cama Sol, 2020. 128 páginas. Comentario realizado por Bert Daelemans (Universidad Pontificia Comillas, Madrid).

Este hermoso libro es una traducción al castellano del libro de 1986 del célebre autor francés Christian Bobin, ilustrado con 45 magníficas obras de la artista madrileña Cristina Almodóvar. El texto y la imagen se compaginan literalmente a la perfección, porque ambos “pertenecen tanto a la estética como a la reflexión”, como acierta Daniel Giralt-Miracle en su presentación de la artista (p. 120).

Ambos, Cristina y Christian, la escultora y el escritor, miran al mundo como “guardianes del silencio” (Thomas Merton) y, con ojos de niña, descubren la plenitud en el vacío, el milagro en la espera y la presencia en la ausencia. O sea, lo invisible en lo visible. Con delicadeza y pudor, ambos escriben y describen desde el asombro, abriendo al lector un universo encantado, un jardín donde reina el encanto de lo sencillo.

Para ambos valdría lo que escribió el emperador Marco Aurelio como perenne recordatorio para sí mismo: “La gente se suele retirar al campo, a la costa o a la montaña. Tú mismo lo deseas a menudo. Pero es un tanto ingenuo, pues en cualquier momento te puedes retirar en ti mismo. En ninguna otra parte se encuentra más sosiego y quietud que en la propia alma; especialmente quien tiene

Esteban Fernández-Cobián: Arquitectura religiosa del siglo XXI en España. Por Bert Daelemans

Fernández-Cobián, Esteban: Arquitectura religiosa del siglo XXI en España. Universidade da Coruña, La Coruña, 2019. 245 páginas. Comentario realizado por Bert Daelemans (Facultad de Teología, Universidad Pontificia Comillas, Madrid).

¿Quién de vosotros conoce (lee: ha visitado/rezado en) una iglesia contemporánea cerca de donde vive? No digo “moderna”, término reservado para iglesias del siglo pasado y para construcciones actuales que desgraciadamente siguen inamovibles esta estela anticuada. No, os pregunto por la diferencia entre una iglesia atrevidamente contemporánea, es decir, de nuestro siglo XXI, en contraste con una iglesia digamos “garaje”, para entendernos, del siglo XX (aunque, felizmente, no todas son así).

Si hiciéramos un sencillo mapa con los últimos espacios de culto construidos en España, nos llenarían de asombro las delicias y las perlas que encontraríamos, porque se nos mostraría una España que no conocíamos. Ese mapa y esas perlas, y mucho más, nos ofrece este excelente e imprescindible volumen que presenta, con unas fichas técnicas detalladas, unos comentarios sumarios y amplio material fotográfico, lo mejor de la arquitectura religiosa contemporánea construida en España desde el año 2000. El autor habla incluso de algunos “destellos” que iluminan la “noche” de la

María José Muñoz López: Páginas de piedra. Por Miguel Córdoba Salmerón

Muñoz López, María José: Páginas de piedra. Una lectura de las catedrales españolas. Fundación SM-PPC, Madrid, 2020. 366 páginas. Comentario realizado por Miguel Córdoba Salmerón (Dr. Historia del Arte, Universidad Loyola Andalucía, España).

Uno de los medios por lo que siempre ha hablado el hombre de sus sentimientos ha sido el arte. Pero, a través del arte, también podemos ser conscientes de los acontecimientos que han ido acaeciendo en el discurrir de los siglos, se convierte, por ello, en un gigantesco archivo, al alcance de todos, a través del cual podemos conocer nuestra propia historia. Dentro del arte, el que plasma los sentimientos religiosos es muy amplio, pues el hombre siempre ha intentado de una forma u otra hacer visible aquello que permanece invisible a sus ojos pero que percibe como algo real. Este arte es tan importante que si lo hiciéramos desaparecer se crearía una gran laguna en el conocimiento no solo de la historia sino del conocimiento propio del ser humano. Por eso, es de gran importancia obras como la que tenemos en estos momentos en nuestras manos, pues a través de sus páginas el lector podrá adquirir las herramientas necesarias para poder interpretar aquello que tiene delante de sus ojos.

En esta ocasión, nuestra autora, como el propio título, nos indica que se centrará en el estudio de las catedrales, de las que el director del secretariado de la Comisión de Patrimonio Cultural de la Conferencia Episcopal, Pablo Delclaux, nos dirá que es un “espacio recreado donde se une el cielo y la tierra en

Bert Daelemans: La vulnerabilidad en el arte. Por Javier Sánchez Villegas

Daelemans, Bert: La vulnerabilidad en el arte. Un recorrido espiritual. PPC, Madrid, 2021. Comentario realizado por Javier Sánchez Villegas.

Nadie duda de que somos frágiles, de que la fragilidad forma parte de nuestra naturaleza humana. Nadie duda tampoco de que esta limitación puede convertirse en camino de encuentro con el otro. La fragilidad se convierte entonces en vulnerabilidad. Justamente de esto, dice el autor, trata este libro.

Desde la fragilidad a la vulnerabilidad hay un camino, un salir de sí mismo, un sentido de salvación. De esta forma, es posible que solamente Dios sea vulnerable. Por otra parte, Cristo muestra la vulnerabilidad como el único camino de salvación. Solo así puede rescatar de su ser a la naturaleza humana. El arte aparecería como la expresión de ese camino, el cual estamos llamados todos a recorrer.

El libro que Bert Daelemans (jesuita belga, profesor de Teología en la universidad de Comillas) ha escrito es una obra de arte. Tanto en el contenido como en la forma. En relación con el contenido, nos encontramos ante treinta obras de arte que forman una particular constelación dividida en tres partes:

- Primera parte. La fragilidad de la vida. Tierna fragilidad. Misteriosa fragilidad.

Íñigo Pirfano: Ebrietas. Por Marta Medina Balguerías

Pirfano, Íñigo: Ebrietas. Descubrir el poder de la belleza. Encuentro, Madrid, 2019 (2ª ed.). 140 páginas. Comentario realizador por Marta Medina Balguerías.

Resulta paradójico que muchas reflexiones sobre la belleza tengan el efecto de distanciar al lector de ella. Así sucede cuando el foco se pone en la teoría y, consiguientemente, en el lenguaje técnico con el que se pretende describir esta realidad, en vez de centrarse en la belleza misma e intentar conducir al lector a ella. Afortunadamente, no sucede así con este libro de Íñigo Pirfano. Se trata de un ensayo ameno, ágil y que nos transporta a la realidad sobre la que está reflexionando.

Ebrietas describe el estado de ebriedad en el que se crea y se disfruta el arte. Para el autor se trata de un estado de inocencia y gratuidad, similar al juego, en el que el ser humano puede acceder a las cuestiones más importantes de su existencia. Si bien las ideas defendidas en el libro valen para la belleza y el arte en general, Pirfano, que es director de orquesta, se centra sobre todo en la música.

Tres son, a mi juicio, las fortalezas de este pequeño libro. En primer lugar, la conexión entre belleza y verdad que subyace a todo el ensayo (y, de manera similar, con los demás trascendentales: ser, unidad y bondad). Esto no es casual. El autor quiere rehuir el relativismo estético que parece haberse adueñado de gran parte de

Fernando López Arias: Proyectar el espacio sagrado. Por Bert Daelemans

López Arias, Fernando: Proyectar el espacio sagrado. Qué es y cómo se construye una iglesia. EUNSA, Pamplona, 2018. 302 páginas. Comentario realizado por Bert Daelemans.

El tema del espacio litúrgico está ganando últimamente en interés y actualidad, por lo cual se agradecen publicaciones en castellano de esta envergadura. El autor es un presbítero malagueño incardinado en la Prelatura del Opus Dei, doctor en teología y arquitecto. También es autor del muy recomendable Espacio litúrgico. Teología y arquitectura cristiana en el siglo XX (Cuadernos Phase 230, CPL, Barcelona 2016). Mientras que aquella publicación era más teórica e histórica, ésta tiene una pretensión más práctica y espiritual con vistas al diálogo entre los actores que intervienen en la construcción de un espacio sagrado: comunidades parroquiales, comisiones diocesanas, obispos, párrocos, arquitectos, artistas, técnicos, etc.

Para poder construir una iglesia, hay que saber qué es: con mano diestra, el autor nos guía a partir de las acciones litúrgicas que tienen lugar en este templo. Sabe que el espacio no se define sólo por los objetos que contiene, sino que es un espacio que acoge acciones comunitarias: la proclamación de la Palabra, el silencio, el canto, la comunión, el perdón, el Viernes Santo, la vigilia pascual, la adoración eucarística, sacramentos y bendiciones. Su fuente principal son los libros litúrgicos. El autor comenta los gestos, las posturas y los espacios que

Will Gompertz: Piensa como un artista. Por Miguel Córdoba Salmerón

Gompertz, Will: Piensa como un artista. Taurus, Barcelona, 2015. 207 páginas. Traducción de Miguel Marqués Muñoz. Comentario realizado por Miguel Córdoba Salmerón.

Entre nuestras manos tenemos la última obra del director de Arte de la BBC, antiguo colaborador de The Times y The Guardian, y autor además de ¿Qué estás mirando? 150 años de arte moderno en un abrir y cerrar de ojos (2013). En este ensayo nos va transmitir su pensamiento sobre la creatividad, y nos va animar a desarrollarla, pues todos gozamos de dicho don, solo que no lo ponemos en práctica conscientemente. ¿Cómo lo hará? Por medio de la exposición de algún aspecto de la vida de veinticuatro artistas, la mayoría de ellos contemporáneos, aunque también nos encontraremos con alguno procedente de la época gótico-renacentista como Piero della Francesca, o del Barroco, como Caravaggio. Su acercamiento será al de la persona, su forma de sentir, su forma de colocarse ante las circunstancias de la vida y cómo tiene una repercusión en su obra. 

Para ello divide el ensayo en once capítulos o apartados precedidos de una introducción, en la que nos aporta su comprensión sobre qué es la creatividad, y cómo está al alcance de todos. 

El primero de los capítulos está bajo el epígrafe «Los artistas emprenden», mostrándonos cómo los artistas, en cierta medida busca una forma de sustento y

Eduard López Hortelano: Acompañados por imágenes. Por Bert Daelemans

Lopez Hortelano, Eduard: Acompañados por imágenes. Un itinerario verbal e icónico según los Ejercicios de san Ignacio. Sial Pigmalión, Madrid, 2018. 144 páginas. Comentario realizado por Bert Daelemans.

Con el candor atrayente del principito, el autor nos introduce sagazmente en un grandioso camino donde la imaginación y el pensamiento se dan la mano. Se trata de un “viaje imaginativo” que nunca nos atreveríamos a emprender si no fuera de la mano de un guía anclado en la verdad que “se come” (según C. Bobin, citado en p. 74), inflamado por la imaginación y macerado por el deseo —o la sed, a la cual se dedican unas hermosísimas páginas (55 y 86-88)—. Como bien sugiere la imagen del corredor en la portada, el autor nos invita a una aventura, un itinerario, un camino, un paseo; nos invita a movernos y a desplazarnos hasta “donde uno revisa lo ordinario de la vida para destilar lo extraordinario” (p. 109), para “entender la vida como ejercicio” (p. 115). Confía en que el lector convertido en ejercitante “lleva consigo el ‘nosotros’, signo de alteridad, de descentramiento” (p. 111). Nos lleva por pasos concretos y abarcables a través de doce verbos —mudar, escuchar, ser amado, nacer, elegir, caminar, contemplar, vivir, amar y servir, mirar, narrar y narrarse— que siguen el proceso de los Ejercicios espirituales de San Ignacio de Loyola.

El libro pone en camino. Más que para leer es un libro para hacer. La “narrativa icónica” (p. 18) va acompañada por nueve imágenes, preciosas miniaturas y

Pável Florenski: El iconostasio. Por Eduard López

Florenski, Pável: El iconostasio. Una teoría de la estética. Sígueme, Salamanca, 2016. 206 páginas. Traducción de Natalia Timoshenko. Comentario realizado por Eduard López.

En otro lugar y en otra obra, Jacobo F. J. Stuart sentenció: “Bajo la guía de la imaginación la razón se eleva a otra visión, de doble o múltiple significado”. Con esta máxima quisiera sintetizar el reconocimiento y la maravilla de esta obra, de un autor desconocido pero no por ello menos importante. Se trata del matemático, filósofo y teólogo ruso Pável Aleksándrovich Florenski (1882-1937). Asesinado por las atrocidades del gulag y silenciado hasta 1991 cuando los archivos de la KGB vieron la luz después de tantos años de olvido. En siete capítulos, se presentan temas relacionados con el sueño, el rostro, el iconostasio, el significado espiritual de los cánones iconográficos, la santidad de los pintores de iconos, la profundidad teológica y un ensayo acerca del rostro y de la máscara a partir de las culturas egipcia y griega. 

En 1917 Mijáil Nésterov retrató a Florenski en su obra Los filósofos, con su bastón y de blanco, le acompañaba Serguéi Bulgákov y su teología se fundamenta en la mística bajo la influencia de Vladimir Soloviov. Este satélite (filosofía, teología y mística) configura el pensamiento o la reflexión acerca de la fe en Florenski. Para él, la fe es la “convicción de las cosas invisibles”. Mientras C. Gustav Jung, casi contemporáneamente, elaboraba su Libro Rojo a partir de las experiencias

Javier Barraca: Dios y lo bello. Por Santiago García Mourelo

Barraca, Javier: Dios y lo bello. Estética y transcendencia. San Pablo, Madrid, 2018. 93 páginas. Comentario realizado por Santiago García Mourelo.

Dios y lo bello. Estética y transcendencia es un escrito breve del profesor Dr. Javier Barraca, de la Universidad Rey Juan Carlos. Como él concluye en la invitación final del libro, su reflexión no es un ensayo de teología estética o de estética teológica, aunque tiene de ambas. Ante todo, sus páginas quieren ser una llamada de atención. Una invitación a pensar el vínculo entre la belleza y la ética y sus valores, entre la belleza y la verdad, entre el arte y la transcendencia. En último término, entre Dios y lo bello.

De forma muy personal, desarrolla su escrito con grandes y variados compañeros de viaje, aumentando la consistencia y hondura de su reflexión, que ya tienen de por sí. Benedicto XVI, Alfonso López Quintás y Pedro Antonio Urbina, son los tres acordes de fondo de su obra. Otros, como el teólogo von Balthasar, el perenne santo Tomás de Aquino, Ortega, Platón, Kant, los papas san Juan Pablo II y Francisco, Levinas o san Agustín, van dando color y forma al entramado de un pensamiento que nos lleva a rincones de Madrid, a la contemplación de la pintura y al peregrinaje de la poesía.

El ensayo está estructurado en cuatro capítulos, más una introducción y una invitación final. 

El primer capítulo esboza el camino del arte hacia el Misterio como un itinerario de humildad. No solo en cuanto creación, puesto que el artista quiere comunicar algo siempre más grande que su propia obra, sino como pedagogía para quien la contempla, porque ofrece un sendero ascendente hacia lo absoluto por la vía pulchritudinis.

Alicia Pérez Tripiana y Mª Ángeles Sobrino López: La Biblia en el Museo del Prado. Por Daniel Cuesta

Pérez Tripiana, Alicia; y Sobrino López, M.ª Ángeles: La Biblia en el Museo del Prado. PPC, Madrid, 2017. 192 páginas. Comentario realizado por Daniel Cuesta Gómez.

La Biblia en el Museo del Prado es una gran obra que realiza una profunda y pedagógica síntesis entre la fe y la cultura. En ella, sus autoras hacen un intenso recorrido por los personajes del Antiguo Testamento apoyándose en veintiséis obras del Museo del Prado. En todos ellos comienzan haciendo una contextualización de los protagonistas, dentro de la historia y también en el marco bíblico. Después, aplican esta presentación a una obra concreta del Museo, proporcionando datos de su estilo artístico, autor, técnica, forma etc. Con todo ello, el lector se lleva una noción bastante completa tanto del arte como de la cultura bíblica que está detrás del mismo. 

Creo que esta síntesis es sin duda la clave del éxito de la obra, ya que no cae ni en la blanda piedad que envuelve a muchas lecturas actuales del arte religioso, ni en el seco tecnicismo que caracteriza a multitud de comentarios artísticos del arte sacro. Además, la obra se complementa con una gran cantidad de fotografías pedagógicamente editadas, pues permiten apreciar los detalles que el texto presenta.